DEFENDIENDO AL CAVERNICOLA
Dirección: Héctor Bonilla
Elenco: César Bono
Teatro del Centro Cultural San Angel
Jueves 8 y viernes 9, 20:30 hrs.;
Sábado 10, 18:00 y 20:30 hrs.;
Domingo 11, 17:30 y 19:30 hrs.
Tel. 55 50 22 16

LOS MONOLOGOS DE LA VAGINA
Dirección: Abby Epstein
Elenco: Lilia Aragón, Nuria Bages, Diana Bracho, entre otras
Teatro del Hotel NH México City
Lunes 5, martes 6 y miércoles 7, 20:00 hrs.;
Jueves 8 y viernes 9, 19:30 y 21:30 hrs.;
Sábado 10, 18:00, 20:00 y 22:00 hrs.;
Domingo 11, 17:30 y 19:30 hrs.
Tel. 53 25 90 00

Convencidos de que la difusión puede marcar la diferencia y apoyados en los comentarios que tanto el público como los creadores nos hacen llegar a este espacio, es para nosotros una gran satisfacción saber que hemos logrado contribuir para que otras miradas asistan a presenciar el acto escénico y hacer de éste un sueño posible.

A todos aquellos que desde los distintos espacios gubernamentales e iniciativas independientes nos brindan las facilidades y también nos han enseñado a lidiar con más de un obstáculo para llegar a publicar nuestra nota, nuestros deseos para que este 2009 sea un año donde cuenten con mayores recursos y todos los esfuerzos sean recompensados.

Por las posibilidades de seguir aprendiendo y hacer de este espacio un foro cada vez más incluyente, a nuestros amigos y colaboradores que desde el inicio nos ayudaron a darle forma e identidad a esta publicación y con su trabajo nos han brindado un apoyo incondicional agradecemos y les deseamos todo lo mejor.

A quienes durante 2008 enriquecieron InterEscena con diferentes puntos de vista hacemos pública la bienvenida y nuestro gusto de que hoy sumen lectores y esfuerzos.

Y a los lectores de InterEscena nuestros mejores deseos para que en este 2009 encuentren en el teatro, la danza y la música pasiones que sacudan sus sentidos.

¡Feliz 2009!

Entre Tegucigalpa y Nueva York, sin necesidad de que algún meridiano nos una, la oferta musical de la Ciudad de México se aparta tanto de una ciudad como de la otra. Por un lado, prácticamente todo el año, salvo los injustificables paréntesis de fin de año y Pascua, hay actividades a escoger, tres Orquestas Sinfónicas con temporadas regulares, otra para el verano, conjuntos de cámara y corales, casi todos adscritos al INBA, y una compañía de ópera que, mal que bien, nos regaló varios títulos durante el 2008 que despedimos.

Lejos, muy lejos de Nueva York y de otras ciudades mucho más pequeñas que la nuestra pero con tradición musical, la variedad y trascendencia de nuestros eventos manifiestan una deteriorada imagen de desamparada laxitud. Sin entrar en detalles logísticos ni políticos, excepto remarcar el excesivo peso que las dependencias oficiales ejercen en este gris panorama en proporción directa a la ausencia de patrocinios particulares o empresariales, repasemos, nominal y un poco subjetivamente, lo que vimos y oímos.

Con pocas sorpresas y por el camino trillado, la programación de las orquestas no rebasó el nivel de complacencia exigido por el gran público, en detrimento de oídos menos castos a los que nos gusta aventurarnos, de vez en vez, en herejías del pentagrama, sin referirnos a los vacíos ejercicios postmodernos ni a las monotonías minimalistas. Por ejemplo, la OFUNAM programó una obra de Hans Werner Henze y otra de Charles Ives ¿cuándo volveremos a oírlos, sobre todo al segundo? Una pregunta sin respuesta.

La Sinfónica Nacional estrenó en México la ambiciosa obra del finlandés Sibelius, Kullervo ocasión a la que se invitó a un estupendo coro masculino de Helsinki. Sin llegar al grado de excelsitud de contemporáneos suyos, la obra del finés se dejó escuchar con agrado, estuvo bien interpretada y nos ayudó a olvidarnos por un rato del clasicismo vienés.

Entre los solistas invitados, predominaron los pianistas (con la Filarmónica de Israel pudimos apreciar los nuevos trajes, prendedores y la bien conservada cabellera del cuasi virtuoso violonchelista Mischa Maisky). De regreso al blanco y negro del teclado, Francesco Libetta, un pianista italiano del que se ha hablado bastante en años recientes, estuvo, al igual que Valentina Lisitsa, en la sala Nezahualcóyotl.

Phillip Quint, violinista sobrevalorado dejó un espacio para que, a fin de año, Natalia Korsakova demostrara buen gusto y exacta lectura de Shostakovitch sustentada con virtuosismo técnico en función del compositor.

En el canto, de Estados Unidos nos visitaron tres sopranos en muy diferentes y contrastantes etapas de sus carreras. Julia Migenes -a quien no vimos pero recordamos de anteriores visitas con fatiga vocal- mostró su etapa de diva alternativa echando mano a un repertorio ecléctico y paródico de la ópera que le dio fama y sustento años ha.

Otra neoyorquina, Catherine Malfitano, festejó sus sesenta años en el Festival del Centro Histórico al cual fue invitada para cantar un personaje secundario de la ópera checa de absoluto estreno nacional, Jenufa de Leos Janacek. Malfitano se robó la ópera al elevar a categoría estelar su personaje y dio cátedra de control vocal, dramatismo a flor de piel y una presencia arrolladora, capaz de eclipsar a cuanto cantante con quien compartiera la escena.

En un momento en el que no hay que lamentar descalabros vocales ni estridencias ni vibratos de voz cascada por los años, la ítalo-rusa que convirtió a Salomé en estandarte de belleza vocal y física, ha sabido ajustarse a un repertorio acorde con sus posibilidades y parece ser que ha renunciado a hacer recitales con retazos de viejos éxitos que hemos sufrido con otras divas.

Renée Fleming, la soprano in, hot o, simplemente, en el candelero, vino a ganar una cauda de fans que la han seguido con gran fervor en vivo hasta el Met… pero en trasmisiones control remoto con tecnología digital en pantalla gigante HD en el Auditorio Nacional. Del concierto presentación del mes de marzo en el cada vez más lejano Palacio de Bellas Artes, La Fleming dejó un grato recuerdo y la aproximación al assolutismo a través de un programa variado en épocas, lenguas y tesituras.

Del belcantismo verdiano que, definitivamente, no es lo suyo a My Fair Lady, pasando por el verista babbino caro de Puccini y la ópera francesa de su predilección sin dejar la veta germana con los lieder de Richard Strauss, la soprano de buen ver y oír, atrajo a cientos de melómanos a la Gala de inicio de la temporada 2008-2009 del Metropolitan Opera House en su sede alternativa del Auditorio de la Avenida Reforma.

Con una óptima visibilidad de alta definición y un sonido inmaculado y próximo a la perfección, Renée Fleming constató su estudiado y aséptico repertorio y la mejor forma para abordarlo, vestida por Lagerfeld o Lacroix pero siempre encantadora, guapa y, lo más significativo, esbelta y elegante como ninguna.

A fines de diciembre, Thaïs de Massenet confirmó lo que ya puede catalogarse como legión incondicional de flemingnistas dispuestos a hacerle llegar, de vuelta por las ondas satelitales, un caluroso aplauso que equivale a “Regresa cuando esté listo el Palacio. Ojalá sea antes de que te retires”. Frase que resume Nuestros mejores deseos para este 2009… y 2010.

Consolidada como una institución importante en el ámbito español, así como en otros escenarios europeos donde mantiene una presencia constante, esta formación dancística impulsa una intensa actividad que la coloca como referente importante en la creación artística contemporánea.

En InterEscena, nos es grato difundir la propuesta de este creador que ha demostrado con tenacidad, propuestas e inventiva los camino que puede y debe construir la danza, en este país y más allá de nuestras fronteras. En este sentido, Da. Te Danza logra anualmente más de cien funciones en distintos foros españoles y europeos, difundiendo así las once puestas que integran su repertorio.

Como creador mexicano, ¿qué retos haz enfrentado en España?
He tenido una gran suerte en España. Yo vine desde Alemania, aquejado de una fuerte depresión personal y en Andalucía (España) se me abre un gran campo. Muchas puertas. Yo ya traía detrás un trabajo que hablaba por sí solo pero quería investigar nuevos temas y conceptos en la danza. Quería investigar y quería crear.

¿Retos? Trabajar es el reto. En México, en España, y en cualquier parte del mundo. Trabajar y ser coherente con lo que comunicas. Ser consciente de tu labor como artista que emite mensajes y lograr conectar con el público. Es cierto que estoy muy agradecido a España, a Andalucía y Granada muy en concreto. A Europa, a todos los países que nos han visto actuar. Me han dado mucho. Pero el reto es trabajar. Para que te apoyen tienes que trabajar.

¿Qué le dirías a los jóvenes que buscan hacerse de un nombre en el extranjero?,
A mis jóvenes compatriotas les diría que el nombre te lo dará el trabajo que hagas. Para trabajar tienes que ir tocando puertas. Pero les puedo garantizar que eso ocurre igual en América y en Europa. En todo el mundo. A mí, como mexicano no me han cerrado ninguna puerta en España. Al contrario. El éxito aquí no depende de tu nacionalidad sino de tu trabajo. En Da.Te Danza ninguno de los miembros somos de Granada, ni siquiera de Andalucía, sin embargo el apoyo del público, la ciudad, los medios de comunicación es total. Eso sólo se explica porque les gusta el trabajo que hacemos y lo que les enseñamos en el escenario.

Con un inicio difícil –como lo son cuasi todos-, cuando no contaba con los reursos, técnicos ni humanos que actualmente convergen en la compañía, Da. Te Danza ha logrado involucrar a diversas instituciones en la propuesta estética de la agrupación que se basa en espectáculos de danza contemporánea y danza teatro, dirigidos fundamentalmente a público infantil y juvenil. El repertorio de la compañía cubre todos los rangos de estas edades: desde montajes dirigidos a la primera infancia (de 0 a 3 años) hasta producciones para jóvenes y adolescentes (de 10 de17 años).

“Da.Te Danza demuestra que la cultura crea empleo. Las compañías de danza, de teatro… crean puestos de trabajo, por lo tanto la inversión es óptima para el Estado. La cultura no es un pozo sin fondo para gastar dinero. No es un gasto es una inversión. La cultura da frutos”. Omar Meza.

Actualmente la compañía trabaja en La bella durmiente espectáculo que trata sobre la trascendencia que vivimos todos en la pubertad. Esta obra tendrá su bautismo de fuego en el marco del próximo Festival Internacional de Música y Danza de Granada, que se llevará a cabo del 26 de junio al 12 de julio de 2009. Para más información de este creador mexicano y la propuesta artística de la agrupación consulte www.datedanza.es

Músico de formación, José Jorge Carreón es uno de nombres más sonados en el ámbito de la fotografía escénica de nuestro país. Con una amplia trayectoria de más de veinticinco años, este hombre de gesto amable, sonrisa conciliadora y testigo discreto de un sin fin de anécdotas, ha visto y capturado algunos de los momentos más emotivos del teatro y la danza en México. A su trabajo debemos la posibilidad de registrar y recordar lo efímero de un arte que nunca se repite, la danza.

Foto de José Jorge Carreón: Cortesía de Fernando Moguel

¿De dónde surge la necesidad de capturar imágenes?
De la música. Era mi profesión cuando la fotografía era sólo un pasatiempo. Gracias a la música conocí la escena, primero la ópera y después el teatro y la danza. La ópera reúne a todas las disciplinas, pero el teatro y la danza, como discursos independientes, llamaron mi atención fotográfica después de que lo hiciera la escena operística. Entonces mi único recurso era mi instinto. Fotografiaba la escena simplemente como algo curioso que sucedía en complicidad con la música, sin una intención particular. Además, sólo podía hacerlo durante los compases de espera o cuando no estaba en escena, a veces salía, vestido y maquillado, a la sala de butacas para tener otros puntos de vista.

Para ser totalmente justo, mi primera necesidad real de capturar en imagen un momento escénico específico no fue exclusivamente mía, la promovió la Maestra Rosenda Monteros. Una vez, por ahí de 1982, me pidió que le enseñara mis fotos para ver si podían servir para difundir la temporada y recuperar al público que comenzaba a escasear. Las vio y me dijo, mutatis mutandis: “Tus fotos van a servir, pero no éstas, sino las que vas a hacer a partir de ahora. Tu instinto es bueno, pero ahora lo vas a hacer mejor.”

Foto: Canción de Cuna, Compañía de Vicente Silva. En la imagen: María Rodríguez.

A partir de ahí, me explicaba las escenas y me indicaba el momento en que debía disparar. Me hablaba del gesto de tal o cual emoción, de su preparación y su resolución, de su ritmo y su intensidad. Actuaba para mí en su camerino. Aprobaba mis resultados pero me hacía intentar otra vez y mejorar. “Aquí el gesto es bueno… espera el gesto triunfal, coincide con él”. Me exigía… ¡y me pagaba! Me entusiasmé de inmediato, ella me convirtió en un mirón escénico profesional.

¿Qué retos implica hacer fotografía de danza?
El reto principal es lograr que quien la observe reconozca –ante todo y sobre todo–, a la danza. Cierto nivel de habilidad y conocimiento de la técnica fotográfica son indispensables, pero éstos de nada servirán si no son capaces de capturar un momento escénico relevante. Una de las obligaciones del fotógrafo es saber reconocerlo para coincidir con él. No sólo se trata del momento que admite una imagen fija, sino el que la pide a gritos. Hay otro reto importante, y es que el fotógrafo tiene que lidiar con las condiciones lumínicas del hecho escénico.

Por lo general, y especialmente en la danza contemporánea, dichas condiciones van de precarias para abajo. La mayoría de las veces el fotógrafo no dispone de su materia prima, que –en términos estrictamente semánticos– no es la danza sino la luz. De otros retos a vencer, mencionaré dos más: La retribución económica del trabajo fotográfico y los derechos de autor de obra fotográfica. Diré simplemente que la cultura que vivimos no permite al medio dancístico –salvo muy pocos casos excepcionales– comprometerse con seriedad con ninguno de los dos temas.

Foto: Estrella de Invierno, Contempodanza. En la imagen: Marely Romero y Ugo Ruiz.

¿Cuál es la relación entre una actividad solitaria como es la fotografía y un arte colectivo como es la danza?
Creo que es una relación sumamente estrecha, orgánica, al grado en que el colectivo dancístico incorpora –supongo que sin intención ni necesidad– al fotógrafo en el acto escénico, quitándole así su condición de solitario. Al menos creo que así debería ser, para bien del fotógrafo y de su obra.

La fotografía es igual que la batuta frente a la danza, o está con ella o simplemente no está. Si la va a estar persiguiendo va a llegar siempre a destiempo, garantizado. No pretendo que el fotógrafo haga la clase y ensaye las coreografías con los bailarines, no. Lo único que debe hacer es presentarse con respeto y buena disposición ante la danza y estar allí, con ella.

No más de lo que haría cualquier espectador sin cámara. Así, si consigue involucrarse y participar del ritmo, de la atmósfera, de la energía, de la emoción; respirar con la cadencia de una obra o un ejecutante, y luego con otro, a su aire; si lo consigue habrá ensamble.

Después de una larga trayectoria de hacer fotografía dancística, ¿qué te ha dejado ésta?
Muchísimas imágenes, por supuesto, y la oportunidad de estar en contacto cercano con un arte puro.

Sin embargo habrá una gran cantidad de imágenes que no logran reunir todos los requisitos para ser publicadas,
¿Paja? Claro, siempre la hay, y aunque a veces inclina la balanza, nunca la vence. Lo bueno es que siempre habrá artistas de verdad que no dejarán espacio para la confusión.

Y lo mejor es que siempre sabe uno dónde encontrarles para seguir aprendiendo. De toda la danza que admiro y respeto, lo que más atesoro es la relación que tengo con la mayoría de sus creadores. Gozo de amistades entrañables, muy queridas. Y otra cosa… me ha dejado también –insisto en lo fácil que es notarlo- una cursilería proverbial que a veces ni yo me aguanto.

Foto: Invitación, Laleget Danza. En la imagen: Carolina Patiño.

¿Cómo ves el desarrollo de la danza en México?
Muy mal, lento pero no imposible. Desgraciadamente vivimos en un país cuya política cultural está dedicada a promover el culto a la vaca sagrada, y la campaña de exterminio en contra de quienes no han de llegar a serlo es ahora más franca que nunca. Me consuela la certeza de que los artistas lo son aun contra su voluntad, así que, el que se proponga algo, lo ha de conseguir aunque estos tiempos le exijan el doble de esfuerzo.

Para comenzar el año, la Dirección de Música de la UNAM anuncia varios programas que se apartan de la monotonía y, al igual que las calendas, permiten vaticinar futuras sorpresas. A mediados de enero -los capitalinos no nos resignamos a un paréntesis tan largo que se abre antes de la Navidad- la OFUNAM hace resurgir el burbujear de la champaña con una Gala de Año Nuevo bajo la dirección del titular de la agrupación, Alun Francis.

Al igual que los conciertos navideños, pródigos en villancicos y aleluyas, un concierto de este formato se sustenta con piezas cortas de carácter festivo y de una despreocupada alegría que nos remite a los años dorados del Imperio Austro-Húngaro.

Precisamente, en estos tiempos es que nace la tradición de celebrar el primer día del año con música para la ocasión y, no podía ser de otra en la Viena de la segunda mitad del siglo XIX más que homenajeando a su ilustre retoño, Johann Strauss hijo, el creador de los cientos de valses que han alcanzado nuestros días sin merma alguna de su frescura y pegajosas tonadas.

En un acto de estricta justicia hacia Strauss hijo, debemos decir que la ejecución de sus partituras a cargo de la Filarmónica de Viena en el icónico Musikverein comenzó a manera de culposa deuda de los músicos, renuentes a tocar bagatelas populares en sus conciertos, así le dedicaron un día al año al hacedor de melodías en 3/4 y considerar saldada la deuda con el artista.

Nunca pudieron imaginar que para las mayorías, esta gala retomada al inicio de la Segunda Guerra Mundial por Clemens Kraus es sinónimo de música vienesa y el único referente de tan poderosa orquesta. A la muerte de Kraus, Willi Boskovsky retoma el rastro de Strauss y, violín en mano, conduce a los vieneses por ríos valsantes, con el Danubio como cauda preferente y le imprime ritmo de polkas y otras danzas a sus conciertos.

Alun Francis ha ampliado el horizonte de estas galas al incorporar a compositores mexicanos y otros europeos como el checo Fusic en su Gala de Año Nuevo los días 17 y 18 y se configura con Mañana, tarde y noche en Viena de von Suppe, Sangre vienesa, Polka Explosiones, Polka Champagne, Cuentos de los bosques de Viena, Vals Vino, mujeres y canciones de J. Strauss, Marcha Zacatecas de Genaro Codina, Club verde de Rodolfo Campodónico, Marcha La entrada de los gladiadores de Julius Fucic, Vals Alejandra de Enrique Mora y Sobre las olas de Juventino Rosas.

La Primera Temporada de la OFUNAM sigue con los conciertos del 24 y 25, ambos bajo la dirección de Francis y con la rusa Lilya Zilberstein al piano. Se escucharán el poema sinfónico El cazador maldito de Cesar Franck, el Concierto para piano No. 5 de Saint-Saëns y las Suites 1 y 2 del ballet Dafnis y Cloë de Maurice Ravel.

El martes 27, Lilya Zilberstein dará un recital de altos vuelos con trascendentales del piano no muy frecuentados: Variaciones brillantes op. 12 y Barcarola de Chopin, Consolaciones y Fantasía y fuga sobre B-A-C-H de Liszt, Ocho piezas, Variaciones sobre un tema original y Variaciones sobre una canción húngara de Brahms.

Dentro del ciclo Música de Cámara, el sábado 17 a las 18:00 horas se presenta en la Sala Carlos Chávez del conjunto cultural, un programa nombrado como Tres siglos de obras para violonchelo y piano. Tres estrenos mundiales.

Los solistas, Carlos Prieto al violonchelo y Edison Quintana al piano tocarán la Sonata BWV 1027 de Bach, Sonata No. 3 op. 69 de Beethoven, el estreno mundial Credo de Alexis Aranda, Capriccio de Lukas Foss, Aria de Bachiana brasileira No. 5 de Heitor Villa-Lobos y Pezzo capriccioso op. 62 de Piotr Illich Tchaikovsky.

A la semana siguiente, es decir, el sábado 24, se reanuda el ciclo con un programa igualmente atractivo y con los mismos intérpretes: Sonata No. 1 op. 38 de Brahms, Sonata op. 40 de Shostakovich, otro estreno mundial, Tentado por la samba de Robert X. Rodríguez y cierra con Alborada de Horacio Uribe y Pampeana No. 2 de Alberto Ginastera.

El sábado 31, como parte del mismo ciclo Tres siglos de música y tres estrenos, también a las 6 de la tarde en la Sala Chávez, Prieto y Quintana tocarán Rapsodia No. 1 de Bartók, Sonata op. 147 de Shostakovich y Sonata op. 19 de Rachmaninov. En este caso, suponemos que no se incluye ningún estreno, salvo que se trate de la primera vez que se toca en México alguna de las tres obras.

Ese mismo sábado en la Sala Nezahualcóyotl, dentro del ciclo El Niño y la Música, fuera del abono de la temporada, Alun Francis, director artístico y Mario Iván Martínez, narrador especializado en la grey infantil darán rienda suelta al ánimo de los pequeños o su iniciación en la música de concierto.

Un programa compuesto con obras especialmente escritas para el disfrute de los niños, en una forma didáctica pero muy entretenida y sin perder el goce estético y el fomento del gusto por la buena música: Tubby la tuba de Kleinsinger y El vals del gato y La tortuga y la liebre de L. Anderson y otros cuentos.

Lo que hay son perlas individuales que muchas veces destacan por ser iniciativas aisladas y de corto tiempo, sin dar oportunidad a la construcción de un autentico proyecto escénico. Cuando se recortan los presupuestos federales, lo primero que se ve afectado es el arte en general y el teatro en particular.

Siendo el teatro un arte colectivo, que reúne en sí mismo a todas las demás ramas del arte –literatura, danza, música, arquitectura, etc.— éste requiere de presupuestos que deben dividirse entre todos los elementos que componen el hecho escénico, lo que al poco tiempo lo convierte en insuficiente. Y es que no es lo mismo obtener recursos para montar una obra de teatro que para escribir un libro, realizar una exposición, componer una obra musical. Como desde hace muchos años, las artes individuales son las que salen mejor libradas, y eso, también, es un decir.

La oferta teatral del INBA durante el año 2008 se vio marcada por este fenómeno, logrando, sí, avances importantes, pero también observando grandes pendientes en materia de difusión del arte escénico. Sumado a ello, este año que recién terminó se vio afectado por la pérdida de dos de los más destacados teatristas mexicanos: los dramaturgos Víctor Hugo Rascón Banda y Emilio Carballido, sin duda, importantes baluartes del arte escénico del país en las últimas décadas.

La Coordinación Nacional de Teatro del INBA ha tenido que hacer milagros para cumplir sus tareas de promover y difundir la dramaturgia mexicana y extranjera. Por ello –es necesario subrayarlo—es loable el esfuerzo realizado durante el año 2008 para no detener la presentación de actores, compañías, obras, proyectos e iniciativas encaminadas a mantener con vida al teatro, aunque al mismo tiempo se enfrenta al reto de hacer que el público asista a las salas, que salga de sus hogares y cumpla con este entrañable ritual, con el objetivo de adueñarse de los espacios destinados para ello, más ahora que la violencia y la delincuencia hacen grandes esfuerzos por convertir al país en un rehén y que muchas veces parece que van ganando la batalla.

Los teatros Julio Castillo, El Galeón, El Granero, Orientación y la Sala Villaurrutia –que conforman el Centro Cultural del Bosque–, así como el Teatro Julio Jiménez Rueda, fueron los escenarios donde se presentaron cerca de sesenta obras de origen mexicano y grupos independientes, en su mayoría, aunque destacan también producciones de compañías extranjeras que visitaron nuestro país.

De ese cúmulo de puestas en escena, las más significativas, por su propuesta escénica y temática, fueron, entre otras, Rashid 9:11, de Jaime Chabaud; Muerte parcial, de Juan Villoro; ¿Quién te entiende?, de Alberto Lomnitz; Memoria, de Enrique Singer; El tesoro perdido, de Jorge Ibargüengoitia; Reglas del buen vivir en la sociedad moderna, dirigida por Germán Castillo; Play Medea, de David Hevia; Umbrales, de Pilar Medina; y quizá los montajes más sobresalientes de esta oferta teatral propiciada por el INBA: Emigrados, dirigida por David Psalmon, y Moliere hipocondríaco, bajo la dirección de Arnaud Charpentier.

Por parte de los extranjeros destaca la presencia de la compañía del legendario Peter Brook con El gran inquisidor; La Orestiada, con los alemanes del Deutsches Theater de Berlín; y Poema silencioso, una divertida obra infantil con el grupo japonés de Kawasemi Za. Mención aparte merecen las producciones propias del INBA que fueron Los empeños de una casa, de Sor Juana Inés de la Cruz, que bajo la dirección de José Solé en la celebración de sus 50 años de actividad teatral se presentó en una temporada en el Julio Castillo y que con grandes dificultades –debido a problemas de presupuesto–, representó a México en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, España, saliendo bien librado, no obstante el desaguisado de no contar con el vestuario, detenido en la aduana española por la falta de pago de impuestos.

Gran parte de la actividad teatral del INBA en 2008 se llevó a cabo a través de festivales y muestras, incursionando con mayor énfasis en una fórmula que se antoja deberá insistirse en los próximos meses para poder salir avante. Por un lado, el Ciclo de Teatro Alemán que contó con dos interesantes obras: La mujer de antes, dirigida por Jorge Vargas, y Dios es un DJ, bajo la dirección de Gabriel Figueroa Pacheco, además de una serie de lecturas dramatizadas. Por otro lado, la Muestra de Teatro Alternativo que contó con propuestas que rompieron las fronteras del teatro para indagar en otras ramas como la danza y el performance, con obras como Basura Krapp 3.5, de Diego Román; 04455 Disección de corazones, con la compañía de Antonio Salinas; Luz de niebla, con la compañía tapatía Pájaro de Nube, y Humor mierda, de Omar Medina, entre otras.

Asimismo, se realizó el Festival Otras Latitudes con el que el público de la capital pudo apreciar las obras que destacaron en el año en diversos puntos de la República Mexicana como Los caprichos de la carne y Orquídeas para un segundo funeral, obras descarnadas del director veracruzano Martín Zapata; No te entiendo, una propuesta interesante de teatro regional del yucateco Juan de la Rosa; Filoctetes, del grupo michoacano encabezado por Juan Manuel Aguilar; y Decir adiós, una coproducción de Argentina y Aguascalientes dirigida por Sabed Pezeshki, entre otras. Además, en espacios del INBA tuvo lugar el Dramafest 2008 con Yellow Face, de David Henry Wang; y Desaire de elevadores, de Alberto Villarreal, así como el Dramafest Bicentenario que trajo a México montajes de Argentina, Chile y España.

En este somero recuento de la actividad teatral del INBA cabe destacar que la institución ha propiciado que varias de sus producciones alarguen su tiempo en el escenario haciendo convenios con otras instancias culturales. Desde hace dos años, el ciclo Mural de Teatro Mexicano se ha extendido a espacios teatrales de la Secretaría de Cultura del Gobierno del Distrito Federal como los teatros de la Ciudad Esperanza Iris, Benito Juárez y Sergio Magaña.

En este tenor, durante el presente año las obras Estado de secreto, de Rodolfo Usigli, y Susana y los jóvenes, de Ibargüengoitia, además de Crak o de las cosas sin nombre, de Edgar Chías, cumplieron sendas temporadas en el Teatro Benito Juárez, obteniendo éxitos en cada una de ellas. Asimismo, a través del Festival de Artes Escénicas de la Ciudad de México, algunas obras iniciaron sus presentaciones en teatros del INBA como La mujer de antes, Los empeños de una casa, Pequeñas certezas y otras tuvieron espacios en tales recintos.

Muchas y muy variadas son las actividades realizadas por el INBA en materia de teatro durante el 2008, aunque éstas no cuenten con el suficiente tratamiento en los medios de comunicación. Una de ellas es la Muestra Nacional de Teatro que en el año que recién terminó llegó a su edición 29.

Inusitadamente, el encuentro tuvo lugar en Ciudad Juárez, en medio de balaceras y asesinatos que son el pan de cada día en esa ciudad fronteriza. Ahí, en defensa de la libertad y del teatro mismo, se presentaron 27 grupos procedentes de los estados Baja California, Chihuahua, Distrito Federal, Guanajuato, Hidalgo, Jalisco, Oaxaca, Nuevo León, San Luis Potosí, Tamaulipas y Yucatán, previamente seleccionados por la Dirección Artística de la muestra, integrada por More Barret, Juliana Faesler, Fausto Ramírez, Perla Szuchmacher y Mario Saavedra.

En ese foro destacaron montajes como Los locos de Valencia, de Lope de Vega, adaptación de Antonio Zúñiga dirigida por Rodolfo Guerrero (Michoacán); La importancia de llamarse Ernesto, de Oscar Wilde, adaptación de José Ramón Enríquez, dirigida por Raquel Araujo (Yucatán); Disforia, de Noé Morales, dirección de Edén Coronado (San Luis Potosí); La última balada de Lucy Jordan, de Fabrice Melquiot, dirigida por Guy Delamotte (Baja California); La estación, escrita y dirigida por Fernando de Ita (Hidalgo); DF Teatro, con las obras El censo, Ni cerca, ni distantes, Delicioso domingo y Conmemorantes, de Emilio Carballido, coordinadas por Alberto Lomnitz y Ricardo Ramírez Carnero, en homenaje a este autor; además de una muestra del teatro realizado en el estado de Chihuahua, entre otras actividades académicas y exposiciones fotográficas. Este año, necesario mencionarlo, se entregaron medallas de reconocimiento al teatrista regiomontano Luis Martín Garza y al fotógrafo Fernando Moguel.

En materia de teatro infantil, el INBA ofreció una oferta conformada por las obras Arrullos para los niños despiertos, de Bertha Hiriart; Alphonse, dirigida por Boris Schoemann; Mocasín, de Reynold Pérez; La bola risa, de Aziz Gual; A que no adivinas, de Nora Maneck; ¿Sabes silbar?, con dirección de Aracelia Guerrero; El niño y la bruja, de Luis Rodríguez Leal; El gigante Gargantúa, con dirección de Mercedes de la Cruz; Los gemelos divinos, de Giovanna Cavasola; Hombrecito, de Larry Silverman; y ¿Quién teme a espantapájaros?, una historia acerca de los niños en la guerra, dirigida por David Olguín.

arte fundamental de los trabajos del INBA en asuntos de teatro durante 2008 fue la realización del Programa Nacional de Teatro Escolar –que cuenta con más de 70 años de vida– que propicia obras de teatro en diferentes estados de la República, atendiendo en diversas temporadas a cerca de 400 mil niños en edad escolar, solamente en el Distrito Federal.

En el interior del país, este año se programaron temporadas en los estados de Chihuahua, Durango, Guanajuato, Hidalgo, Nuevo León, Querétaro, San Luis Potosí, Sinaloa y Yucatán para 190 mil espectadores.

Así como en los últimos 12 meses hubo importantes avances en materia de teatro por parte del INBA, también hay grandes pendientes. El principal, quizás, sea la puesta en marcha de la nueva Compañía Nacional de Teatro, anunciada con bombo y platillo, ahora bajo la guía de Luis de Tavira.

Arrancada de la Coordinación Nacional de Teatro para manejarse como entidad, digamos descentralizada, para implementar una compañía de repertorio y con un elenco estable, dicha agrupación debió haber presentado ya, al mes de noviembre, sus dos primeras obras, una dirigida por Héctor Mendoza y otra en homenaje a Emilio Carballido, para trabajar ya la tercera puesta en escena programada para el mes de febrero con reposiciones de las dos primeras.

El caso es que no hay nada concreto hasta el momento. La causa: la falta de recursos del INBA y del FONCA, instancias organizadoras de la nueva Compañía.

Ante ello, habría que recordar las palabras del propio Luis de Tavira: “En tiempos de crisis, el teatro puede ser el fundamento de una nueva esperanza”. Dicha esperanza tal parece que debe esperar otro momento, que se ve difícil ante las nuevas reglas para el manejo del presupuesto destinado al teatro, impuestas por la Secretaría de Hacienda para el 2009, que se pueden resumir así: “cuando compruebes los gastos, te damos el presupuesto”. Y así para cada obra. Es decir, en 2009 se hará teatro, pero de fiado. Ardua batalla espera a los teatristas mexicanos.